Play It Loud !!!! Le rock'n'roll, c'est fait pour la scène...

Au moment du choix - impossible - entre aller voir The OSees (ou quelle que soit la manière dont le nom du groupe s’écrive en ce moment…) et The Hives, tous deux en concert le même soir à Paris, notre logique a été totalement influencée par la situation pandémique : il y avait plus de chances qu'un groupe suédois puisse venir jouer qu'un groupe américain, n'est-ce pas ? Et puis les Hives, même si l'on n'espère plus de véritable surprise de la part de nos éternels punks en costume-cravate noir ou blanc, ou noir et blanc, c'est la garantie d'une bonne soirée, avec un grand sourire en prime !

20h30 : The Dahmers sont arrivés dans les bagages des Hives, et nous sont vendus comme un autre groupe punk suédois derrière un nom inspiré – mauvais goût garanti – du fameux serial killer américain. Malheureusement, mal fagotés dans des combinaisons noires ornées de dessins de squelette, ils ressemblent surtout à une version cheap de leurs compatriotes de Ghost. Ou encore à une résurrection du groupe gothique macabre et ridicule des Juicy Fruits, accompagnant Beef dans Phantom of the Paradise... Vous voyez le genre ! The Dahmers jouent ce qui est en fait un hard rock speedé très seventies dans l’esprit - d'ailleurs ils citent à un moment le Highway Star de Deep Purple... Tout cela est à la fois presque enfantin dans la caricature (avec ces titres de chanson grandguignolesques, comme Creepiest Creep, Cold Skin ou Blood on My Hands…) - donc sympathique - et vraiment pas inspiré. Scène typique : ils se font un selfie devant la fosse de l'Olympia en (faux) délire (organisé pour la photo). Le triomphe du paraître ?

21h00 : cette fois, puisque les paris étaient ouverts entre les partisans du blanc et les défenseurs du noir parmi les fans, les Hives ont choisi le costume noir avec des rayures zébrées blanches- phosphorescentes dans l'obscurité, avec la traditionnelle chemise blanche dessous. Très classe, comme toujours. On attaque, sans surprise, par Come On, mais quelque cloche : le son est confus, pas assez fort, la voix de Pelle est presque inaudible, ce qui est très rare à l'Olympia. Pire, le groupe ne dégage pas son habituelle énergie… Mais peu importe, le public parisien est déjà à fond !

Si le son va s'améliorer (un peu), et si le groupe va progressivement trouver son rythme (Pelle reconnaîtra d'ailleurs, de manière inhabituelle, que les Hives post-pandémie ont un peu de mal à retrouver leurs marques...), la joie et l'énergie du public parisien ne baisseront jamais durant l'heure dix qui va suivre. Et si, au final, ce concert "de retrouvailles" atteindra parfois des sommets, ce sera largement grâce à l'enthousiasme délirant de toutes (beaucoup de filles qui n'hésitent pas à slammer, et qui hurlent) et de tous. Des sommets, il y en aura plusieurs dans la soirée : Won’t Be Long (sans doute leur meilleure mélodie à chanter tous ensemble !), Walk Idiot Walk, et surtout, comme toujours, leur tube parfait, Hate to Say I Told You So : trois moments de joie intense, de profonde satisfaction « physique », trois moments où l’Olympia tout entière, avec tout le monde au balcon debout et dansant, ressemble à un immense chaudron en ébullition. Trois moments où les Hives deviennent un grand groupe.

Cerise sur le gâteau, Pelle, même s’il continue à assurer son rôle de M. Loyal du cirque des Hives, sera un peu moins bavard qu’à son habitude. On comprend que les dialogues de Pelle avec le public font partie du charme du groupe, qu’ils servent sans doute aussi aux musiciens à reprendre un peu leur souffle entre deux brûlots punks joués à cent à l’heure, mais on est contents de rester dans la mesure à ce niveau-là ! Par contre Pelle et Nicholaus continuent à être tous deux en contact permanent avec les premiers rangs, voire pour Pelle, à se lancer dans quelques slams : il y a des choses qui ne changent pas, et c’est tant mieux !

Le rappel débute par le single de 2019, I’m Alive, assez peu connu mais diablement efficace puisqu’il rompt avec le style habituel du groupe, en étant plus lent et plus lourd, et s’éternisera un peu sur un Tick Tick Boom, certes très attendu, mais trop délayé, entre les présentations humoristiques des musiciens et l’habituel petit jeu de faire asseoir le public (très difficile, vu comme nous sommes entassés !)…

…Mais, au bout de la nuit – courte, quand même, la nuit – l’ambiance incroyable qui régnait dans une Olympia que l’on n’avait pas vu autant à la fête depuis longtemps, fut notre plus belle récompense… à nous comme aux musiciens, visiblement heureux de cette chaleureuse réception.

La setlist du concert de The Dahmers :

Quiet Squaler (Witching Hour EP – 2020)

To the Night (In the Dead of Night – 2017)

Creepiest Creep (Down in the Basement – 2018)

Stalker (Demons – 2014)

Cold Skin (In the Dead of Night – 2017)

Blood on My Hands (Down in the Basement – 2018)

Cut Me Down (In the Dead of Night – 2017)

Nightcrawler (In the Dead of Night – 2017)

Les musiciens de The Hives sur scène :

Howlin' Pelle Almqvist (Per Almqvist) - chant

Chris Dangerous (Christian Grahn) - batterie

Nicholaus Arson (Niklas Almqvist) - guitare électrique

Vigilante Carlstroem (Mikael Karlsson) - guitare électrique

The Johan and Only (Johan Gustafsson) - basse

La setlist du concert de The Hives :

Come On! (Lex Hives – 2012)

Main Offender (Veni Vidi Vicious – 1999)

Go Right Ahead ! (Lex Hives – 2012)

Paint a Picture

Won't Be Long (The Black & White Album – 2007)

Good Samaritan

Walk Idiot Walk (Tyrannosaurus Hives – 2004)

Two-Timing Touch and Broken Bones (Tyrannosaurus Hives – 2004)

My Time Is Coming ! (Lex Hives – 2012)

See Through Head (Tyrannosaurus Hives – 2004)

Hate to Say I Told You So (Veni Vidi Vicious – 1999)

Encore:

I'm Alive (Single – 2019)

Try It Again (The Black & White Album – 2007)

Tick Tick Boom (The Black & White Album – 2007)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

On est en avril 1982 et le Palace, théâtre de nos plus belles nuits Rock parisiennes en dépit - ou plutôt en parallèle - des soirées très branchées qui s'y déroulent, est en feu. Sur scène, le plus beau groupe de garage rock de l'époque, que nous nommons d'emblée et sans hésitation « meilleur groupe scénique de la décennie ».

40 ans ou presque ont passé et les Fleshtones sont toujours là, toujours aussi bons malgré les années qui n'améliorent pas les articulations, mais ne font plus du tout la une des magazines branchés. Pire, nous avons le plus grand mal à convaincre les nouvelles générations de nous accompagner ce soir à Petit Bain où les Fleshtones donnent un concert annoncé il y a peu, et qui n'attire donc comme d'habitude qu’une majorité de déjà convaincus.

20h30 : Dynamite Shakers, à la fin de leur set furieux de 45 minutes, reprennent le Too Much Class for the Neighborhood des Dogs, bouclant merveilleusement la boucle, puisque les Dogs avaient ouvert pour les Fleshtones le 15 avril 1982. Et avec quelle énergie et quelle classe... au point qu'on ne se souvient pas, même en confrontant nos propres souvenirs avec ceux d’autres vétérans que les Dogs aient jamais été aussi bons ! Ce quatuor français joue du rock "by the book", et évoquent pas mal les Flamin' Groovies, mais aussi un peu les merveilleux Plimsouls ou encore les Inmates, deux formations-clé lors du retour (définitif) du rock garage dans toute son énergie et son élégance… en moins pop et moins soul sans doute. Mais en plus dur, plus énergique : parfait, en somme. Propulsée par la frappe d'un batteur littéralement colossal, voici une musique qui insuffle une joie ineffable : chanson après chanson, car elles sont toutes impeccables, c'est une déferlante de riffs sauvages, comme on disait à l'époque bénie de notre innocence, avec une attitude scénique parfaite. Le chanteur transpire et est frénétique comme il se doit, le guitariste est en cuir noir et mignon comme un ange, la bassiste assure diaboliquement. Et ces très jeunes gens sont vêtus avec une élégance purement rock’n’roll qui tranche avec 2021, mais a finalement quelque chose de littéralement éternel. Et nous, on ruisselle de bonheur, épuisés d'applaudir aussi fort à la fin de chacune des chansons. Et de crier. Et de sourire. Sans doute l'un des meilleurs concerts de rock'n'roll que l'on ait pu voir cette année, et un groupe prometteur à suivre de très, très près.

21h30 : Mais est-ce vraiment raisonnable de continuer à jouer du rock garage à près de 70 ans ? C'est une question qui ne se pose pas très longtemps à un set des Fleshtones en 2021. Le temps d'accuser le coup devant les cheveux blancs, les traits plus flasques, les dentitions en danger, quelques minutes - ou même pas, en fait - d'hésitation... et puis on est repartis pour un tour. Car les chansons sont là… - pas les mêmes qu’avant, car, paradoxalement, Peter Zaremba, Keith Streng et Bill Milhizer (auxquels on a désormais le droit d'associer Ken Fox qui est là depuis plus de 30 ans quand même !) ne font pas dans la nostalgie, le passéisme ou je ne sais quoi dans le genre. Ils jouent des chansons qui sont nouvelles, sorties sur leurs derniers albums, et n’incluent dans leur setlist quasiment aucune vieillerie, à part l’inoxydable New Scene de 1983 ! Et surtout ils balancent la purée… Et peut-être même plus qu'à une époque où foutre le bordel et faire les clowns semblait parfois la priorité du groupe.

Streng, qui ne sourit pas plus qu'à l'époque, est resté un guitariste redoutable, s'appuyant confortablement sur la rythmique solide de Milhizer et Fox. Avec ces mecs-là qui assurent derrière lui, Zaremba peut passer une partie de son temps à organiser des petits jeux avec les spectateurs et à haranguer la foule pour bien rappeler que les Fleshtones sont là, nous aiment et jouent pour nous. Le français de Zaremba est devenu très acceptable après toutes ces années, et il reconnaît sans doute pas mal de ses fans qu'il fait monter sur scène. Il continue toutefois à jouer la provocation pince-sans-rire, et à exhorter le public à faire un peu n’importe quoi sans jamais nous adresser un sourire. Le jeu populaire des Fleshtones consiste désormais à demander aux spectateurs de tourner sur eux-mêmes, comme les musiciens le font sur scène, jusqu’à ce que l’étourdissement nous gagne, ce qui permet à Zaremba de nous interroger d’un air interloqué (et en français…) : « Pourquoi ? Mais, pourquoi ?... ». On s’amuse comme on peut, mais on s’amuse bien.

Signe des temps, quand même, et pas le meilleur, les Fleshtones font désormais des hommages : à Dominique des Dogs (la chanson Dominique Laboubée, qui cite justement Too Much Class for the Neighbourhood), à Charlie Watts (une reprise bien sentie de Child of the Moon des Stones), et surtout aux Ramones. Chacun a droit à son morceau mais celui à la manière des Ramones (Remember the Ramones !) est le plus efficace, reprenant joyeusement les codes de leur musique.

La setlist est bouclée en moins de 50 minutes, mais quand on connaît les Fleshtones, on sait que c’est là que les choses sérieuses (si l’on ose dire…) commencent : une floppée de rappels, formels mais surtout largement informels, Zaremba rappelant sans cesse ses musiciens qui quittent la scène, pour continuer à jouer, à brailler, à chanter, pour que « ça ne s’arrête jamais ! »… jusqu’à ce que ce soit la salle, alors que les onze heures du « couvre-feu » s’approchent, qui décide de couper le son ! C’est ça, la fête du rock’n’roll !

Mais s’il fallait conserver un seul souvenir de cette soirée, on a envie que ce soit ce moment magique des rappels, où les musiciens de Dynamite Shakers ont rejoint les Fleshtones, et où tout le monde a joué ensemble, d’ailleurs avec une facilité déconcertante (on imagine qu’il y avait eu une répétition un peu sérieuse avant) : ce brillant passage de témoin entre les « grands anciens » et les « petits jeunes » nous donne incontestablement de bonnes raisons de croire au futur du Rock’n’Roll !

La setlist du concert de Dynamite Shakers :

Broken Space

Twisted Individual (Dynamite Shakers – 2021)

She’s Waitin’ (Dynamite Shakers – 2021)

Beautiful Crime

What’s Goin’ On

It’s Too Late (Dynamite Shakers – 2021)

The Sound (Dynamite Shakers – 2021)

Can’t Wait

Split Brain

The French Top Ten (Dynamite Shakers – 2021)

Black Cats

The Bell Behind The Door (Dynamite Shakers – 2021)

Saturday

Blow My Mind

Too Much Class for the Neighborhood (Dogs cover) (Dynamite Shakers – 2021)

Les musiciens des Fleshtones sur scène :

Peter Zaremba - chant, harmonica, claviers

Keith Streng - guitare

Ken Fox - basse

Bill Milhizer - batterie

La setlist du concert des Fleshtones :

Love My Lover (The Band Drinks for Free – 2016)

Back to School (Take a Good Look – 2008)

You Gotta Love, Love (Face of the Screaming Werewolf – 2021)

New Scene (Hexbreaker ! – 1983)

Dreaming About Work (Solid Gold Sound – 2001)

Dominique Laboubée

Child of the Moon (The Rolling Stones cover) (Face of the Screaming Werewolf – 2021)

Charlie Chan

Manpower Début (Face of the Screaming Werewolf – 2021)

I Surrender (Bonnie St. Claire cover)

Suburban Roulette (The Band Drinks for Free – 2016)

Remember the Ramones (Wheel of Talent – 2014)

My Kinda Lovin

Soul Shake (Delaney & Bonnie cover)

Alright (The Searchers cover)

(I'm Going Back to) The House on the Hill (Hank Ballard and the Midnighters cover)

Face of the Screaming Werewolf (Face of the Screaming Werewolf – 2021)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Peu de gens – trop peu de gens en fait – savent combien un concert de Shannon Wright est une expérience forte : ce soir, Petit Bain n’est malheureusement pas complet pour accueillir l’une des expériences musicales actuelles les plus singulières, les plus passionnantes qui soient. Mais peu importe, car tous ceux qui sont là sont de fervents adeptes qui savent pourquoi ils sont venus, et ce qu’ils espèrent vivre à nouveau.

20h30 : la soirée débute avec Cyann, qui nous racontera ensuite n’avoir pas joué live depuis le début de la pandémie. Eh bien, ça ne se voit pas, car la jeune femme est en pleine maîtrise de son installation complexe de claviers, pédales et autres mécanismes technologiques lui permettant à elle seule de produire une musique d’une folle amplitude… Avec en premier lieu sa voix démultipliée, créant une atmosphère planante, glaciale parfois, riche toujours, pendant 45 minutes. Largement arythmique, si l’on excepte la présence d’un beat solitaire pendant une dizaine de minutes au milieu du set, cette musique alterne des passages plus dénudés qui reviennent même vers un format chanson (il y a eu un passage où l’on pouvait penser à une veine similaire à celle de Nick Cave dans son Ghosteen !), et des montées sonores – assorties à un moment à des vibrations qui soumettront la coque de la péniche du Petit Bain à rude épreuve. Cyann témoigne d’une belle insistance à expérimenter, mais si on peut aussi trouver ça fatiguant à force. Une première partie qui conjugue étrangement l’intéressant et le… pénible !

21h30 : avec Shannon Wright, c’est une tout autre histoire, on passe de la musique des machines à la peinture troublante de l’humanité la plus fragile, la plus déchirante. Il faut d’abord savoir que Shannon, on est là pour l'écouter, pas pour la voir : car elle joue dissimulée en permanence derrière son épaisse chevelure. Privés de « spectacle », nous n'avons plus qu'à nous concentrer sur la musique qui, ça tombe bien et on l’a déjà dit, est renversante. Nous voilà face à une impensable tempête d'émotions, un trop plein de sensations qu'il vaut d’ailleurs mieux recevoir les yeux fermés.

Sur un splendide piano classique Yamaha - dont on se demande comment il a pu rentrer sur scène dans le ventre de la péniche -, Shannon nous régale d'un jeu quasi-virtuose, tandis qu'elle égrène des chansons à nous dévaster l'âme, de sa voix à la texture quasi surnaturelle, vibrante comme mille fantômes de souffrances oubliées. Et le contraste entre la splendeur classique du piano et l'inextinguible déchirement du chant est sidérant. Même s’il est impossible de vraiment mettre en avant un morceau au milieu des autres, on pointera une interprétation merveilleuse de Somedays, l’un des sommets de son dernier album – datant déjà de 2019 -, Providence.

D’ailleurs, quand Shannon abandonne son siège devant le piano pour s'emparer de sa guitare électrique, dont elle tire des dissonances et des rythmes contrariés, l'évidente brutalité dont elle fait preuve vis à vis de ses propres chansons paraît presque trop logique, presque pléonastique par rapport à ce que nous venons de vivre.

Au bout de 45 minutes, Shannon quitte la scène avec juste quelques remerciements balbutiés, mais face à notre insistance, elle reviendra nous offrir deux autres brassées de fleurs brisées au piano, dont Avalanche, l’un des morceaux favoris des fans. Et ensuite, elle disparaîtra pour de bon, nous laissant groggys dans une salle que nous n’avons ni l’envie ni la force de quitter aussi vite. Nous nous apercevons alors de la présence parmi nous ni plus ni moins que de Warren Ellis, et également des musiciens des Psychedelic Monks… des gens de bon goût bien sûr, mais aussi des artistes qui placent la sincérité au cœur de leur travail. Ce n’est pas une coïncidence !

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Concert “secret” de girl in red, annoncé discrètement sur les réseaux sociaux deux jours avant, avec entrée gratuite mais accès très limité aux 100 premières personnes : l’occasion parfaite de revoir dans une petite salle – à la Boule Noire, là où nous l’avions découverte en live il y a déjà deux ans et demi – une artiste qui est déjà passée à une dimension bien supérieure…

Comme c’était prévisible, les jeunes fans de Marie Ulven Ringheim font la queue depuis le début de la matinée pour une ouverture des portes à 19h30. Heureusement, en ce 11 novembre 2021, le temps est clément, froid sec, pas de vent et grand ciel bleu. Petit moment d’angoisse générale à l’entrée, bien gérée par le staff : contrôle du pass sanitaire permettant le contrôle (?) du nom des personnes inscrites sur le site, et les heureux / ses élu(e)s pénètrent enfin dans le lieu de leurs rêves !

20h30 : finalement il est clair qu’on a laissé entrer plus de 100 personnes, ce qui est une bonne chose quand on considère le temps d’attente… L’atmosphère est, comme à chaque fois qu’on voit girl in red sur scène, très jeune (ces hurlements stridents, comme si on était à nouveau à l’époque des Fab Four !), mais surtout très féminine et très chaleureuse. De manière surprenante, il n’y a ni amplis ni retours sur la scène, ce qui éveille des doutes sur la qualité du son auquel on aura droit… et de fait, hormis la voix de Marie, le reste du son ne rendra pas honneur à l’enthousiasme et l’énergie des jeunes musiciens du groupe, qui se déchaînent généreusement sur chaque chanson.

Passée un Sérotonine peu convaincant en intro, on retrouve la mécanique très simple de la majorité des chansons de girl in red, cette bedroom pop mélancolique qui explose sur des refrains très efficaces, très rock, où tout le monde hurle en chœur – couvrant régulièrement la sono, qui aurait pu être plus forte – et saute en l’air. C’est évidemment très joyeux et des frissons nous parcourent régulièrement l’échine quand l’enthousiasme des jeunes filles s’approche de l’hystérie. Des morceaux « classiques » du répertoire comme girls (trois ans déjà !) et le fantastique dead girl in the pool sont des pics d’intensité logiques, mais c’est plutôt le très beau Body and Mind, sur un registre différent, qui prouve que Marie a le potentiel de dépasser son statut actuel d’idole adolescente.

Ce qu’il y a de bien avec « Marie et ses garçons », c’est qu’ils ont conservé toute la fraîcheur des premiers jours, cette impression générale d’amateurisme bon enfant et généreux à la fois qui tranche si clairement avec le comportement de jeunes groupes britanniques par exemple. Dès le début du set, Marie surfe sur les bras tendus de ses adoratrices (et adorateurs), et sur le dernier morceau, l’incontournable i wanna be your girlfriend, elle organise le mosh pit pour venir y pogoter elle-même.

Tout au long du concert, elle va continuer à parler beaucoup – on sait combien elle est bavarde, Marie ! – incluant ses fans dans ses monologues sur sa vie de jeune norvégienne gay et presque ordinaire (malgré sa célébrité !). Le problème est que, trois ans après ses débuts remarqués, on aimerait un peu plus d’organisation et de rigueur (on ne va pas parler de professionnalisme, heureusement !) : moins de longs bavardages et un enchaînement plus rapide des chansons qui éviterait des baisses de tension, et des musiciens qui maîtrisent un tantinet mieux leur sujet seraient deux « plus » évidents pour accompagner le niveau de popularité croissante du groupe. On ne peut pas s’empêcher de rester stupéfaits devant le choc survenu sur scène entre le bassiste et l’un des deux guitaristes, qui s’est pris le manche de la basse en plein dans les dents, et a été quasiment mis KO quelques secondes !… Soit le genre de choses qu’on n’avait quasiment jamais vu arriver même pendant les concerts punks les plus survoltés et violents…

De la même manière, le fait que le groupe ne soit pas capable d’accompagner Marie lorsque, pour satisfaire ses fans réclamant plus de chansons, elle voudrait leur offrir un Hornylovesickmess non prévu sur la setlist, pose quand même un souci. Remarquez que Marie n’a pas flanché, qu’elle a pris son courage à deux mains, s’est installée au piano – un instrument qu’elle ne maîtrise pas complètement – et nous a offert une interprétation improvisée en solo et ralentie de la chanson, qui a été l’un des moments les plus touchants du concert… donc nous ne nous plaindrons pas trop !

1h10 d’un set à la bonne franquette, régulièrement réjouissant, mais qui témoigne aussi de la nécessité pour Marie et son girl in red de prendre leur envol, et dépasser ce premier stade des années d’apprentissage.

On se revoit en mai prochain pour faire le point !

La setlist du concert de girl in red :

Serotonin (if i could make it go quiet – 2021)

You Stupid Bitch (if i could make it go quiet – 2021)

girls (chapter 1 – 2018)

i'll die anyway. (chapter 2 – 2019)

we fell in love in october (single – 2018)

Body And Mind (if i could make it go quiet – 2021)

Did You Come? (if i could make it go quiet – 2021)

dead girl in the pool. (chapter 2 – 2019)

I’ll Call You Mine (if i could make it go quiet – 2021)

midnight love (if i could make it go quiet – 2021)

bad idea! (chapter 2 – 2019)

Hornylovesickmess (if i could make it go quiet – 2021)

i wanna be your girlfriend (chapter 1 – 2018)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Nombreux sont les gens de goût qui considèrent SUUNS comme l’une des meilleures choses qui soient arrivées au Rock au XXIe siècle. Issus de la prolifique scène de Montréal, ces expérimentateurs forcenés ont réussi à mélanger krautrock, électronique et esprit punk comme peu d’autres groupes l’avaient fait avant eux, et à produite une musique qui ne ressemblait pas à grand-chose d’autre. Et il est encore plus facile de reconnaître que leurs prestations scéniques puissantes sont supérieures à leurs efforts discographiques… ce qui explique une Maroquinerie complète deux soirs de suite, pour un groupe qui n’est pas – et ne sera sans doute jamais – populaire, mais qui a conquis une bonne frange de mélomanes parisiens.

Un peu d’inquiétude tout de même dans notre anticipation de ce concert : le dernier album, The Witness, marque un virage dans la trajectoire du groupe, et convainc moins que ses prédécesseurs, tandis que le claviériste originel, Max Henry, a quitté le groupe, et que Ben Shemie, le leader, vit désormais à Paris, loin de ses collègues. De quoi se faire du souci, non ?

20h : Sébastien Forrester, derrière ses machines et ses percussions, nous embarque pour 35 minutes d'un voyage immobile, en partant d'une stase organique sur laquelle des rythmes tribaux créent la vie… avant que des sons électroniques ne s’intègrent graduellement, nous imposant une transe technologique à laquelle il est difficile de résister… On termine un lent engloutissement dans une sorte d'abyme à l'obscurité oppressante traversée de chaos bruitiste. C'est fascinant, parfois beau, parfois un peu ennuyeux : c’est comme un vrai voyage, en fait, avec tous les états d’âme par lesquels il nous fait passer. Une belle expérience sonore, et parfois même sonique, dans laquelle il faut accepter de se laisser sombrer.

21h : SUUNS sont maintenant réduits officiellement à trois musiciens, Ben au chant, à la guitare et occasionnellement à la basse, Joe Yarmush à la basse et à la guitare, et Liam O’Neill à la batterie et aux percussions électroniques. Mais ce sont cinq personnes qui s’installent sur scène dans une obscurité qui persistera plus ou moins durant toute la durée du set - près d’une heure et demie en incluant deux rappels – puisque les musiciens originels sont désormais soutenus sur scène par deux claviéristes (et saxophoniste). La Maroquinerie a fait le plein de spectateurs et l’ambiance est électrique dans la salle, on sent qu’on à affaire à un groupe qui déchaîne les passions…

Le set débute par l’enchaînement de cinq morceaux à la suite de The Witness, des morceaux plus réflexifs, plus intimistes presque pourrait-on affirmer, en particulier sur la longue introduction de Third Stream, des morceaux qui permettent toutefois à Ben d’assumer plus franchement son rôle de chanteur. Et qui ont quelque chose d’un round d’observation entre le groupe et le public. Quelques puissantes montées en tension sur C-Thru nous rassurent quand même sur le fait que SUUNS n’a pas changé tant que ça… même si les très planants Clarity et Go To My Head perdent un peu de notre attention. Quelques super-fans au premier rang en profitent pour aller chercher des bières…

C’est à partir du moment où la setlist revient aux titres plus anciens que le concert prend, inévitablement a-t-on envie de dire, toute son ampleur : Translate est une véritable tuerie, avec un son d’une originalité stupéfiante, tout en force, en brutalité, qui n’évoque rien d’autre de connu… et qui débouche sur un Powers of Ten dévastateur, qui voit toute la Maroquinerie basculer dans la transe. Sur scène, on est inévitablement fasciné par la puissance de frappe de Liam à la batterie, dont chaque coup semble résonner à l’intérieur de notre crâne. Et on tente en vain d’entrevoir le visage du gros nounours chevelu qu’est Joe alors qu’il triture mortellement sa guitare. Après que Ben ait fait une sympathique démonstration de son français sans aucun accent québécois, le set se termine sur un beau The Trilogy très électronique… qui nous donne envie d’en entendre plus…

Et ça tombe bien, SUUNS nous concèdent un double rappel – puisque personne ne veut vraiment partir, ni eux ni nous : les glissements de guitare sur lit d’électronique de 2020, un morceau d’une formidable étrangeté mais qui réussit à être excitant malgré tout, complètent les crowd pleasers que sont Armed For Peace et Gaze, sur lesquels beaucoup de gens présents dans la salle ont découvert le groupe, il y a plus de 10 ans déjà. C’est d’ailleurs étonnant, quand sur Gaze, le saxophone part en délire free sur le martèlement démentiel du morceau, il y a quelque chose des Stooges de Fun House dans ces moments de chaos qui allient une sorte de bestialité et un concept fort…

Une bonne partie des spectateurs dans la salle ont visiblement prévu de revenir le lendemain, pour profiter autant que possible de cette musique singulière, et intensément satisfaisante quand elle part dans des envolées rythmiques ou soniques ébouriffantes. Espérons quand même que l’assagissement du dernier album ne marque pas un changement définitif du groupe, ce serait dommage !

La setlist du concert de SUUNS :

Third Stream (The Witness – 2021)

Witness Protection (The Witness – 2021)

C-Thru (The Witness – 2021)

Clarity (The Witness – 2021)

Go to My Head (The Witness – 2021)

Fiction (Fiction EP – 2020)

Instrument (Hold/Still – 2016)

Translate (Hold/Still – 2016)

Powers of Ten (Images du Futur – 2013)

Pie IX (Zeroes QC – 2010)

The Trilogy (The Witness – 2021)

Encores:

Gaze (Zeroes QC – 2010)

Armed for Peace (Zeroes QC – 2010)

2020 (Images du Futur – 2013)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Plusieurs fois reporté, comme c'est le cas pour de nombreux artistes évidemment, le concert de J.E. Sunde à Paris pour le lancement de son album Nine songs about love 9 songs about love a enfin lieu ce soir au Café de la Danse, mais n'est malheureusement pas complet, malgré les critiques louangeuses reçues un peu partout. Du coup le public est confortablement assis - et ne se lèvera pas - ce qui confère une ambiance à la soirée plus recueillie que chaleureuse. Ambiance un peu troublée par une photographe agitée et pas très pro qui irritera tout le monde et se fera rappeler à l'ordre.

20h05 : on commence avec Corentin Ollivier, jeune artiste originaire d’Angers, qui a fait auparavant du rock en groupe et de l’électro en solo, et qui se présente désormais seul sur scène avec sa vieille guitare qui se désaccorde (c'est lui qui l’affirme !). Il nous propose des chansons folk classiques qui ne retiennent pas particulièrement l'attention, malheureusement. Il nous annonce même une reprise – improbable ? - de LCD Soundsystem, mais que nous n’arriverons pas à réconcilier avec ce que nous connaissons du groupe, et finalement, qui ne tranche pas par rapport au reste des chansons. Peut-être devrait il composer et chanter en français pour pouvoir nous offrir quelque chose d'un peu plus original...? 40 minutes qui nous ont paru bien longues.

21h : J.E. Sunde est là avec deux musiciens - un bassiste et un batteur - pour étoffer sa musique, qui, elle, au contraire de la première partie, pourrait s'en passer. Car la voix de Jon est totalement étonnante, presque féminine parfois et incroyablement... "acide" en même temps. Parfaite pour chanter de la country traditionnelle en fait, même si, à deux ou trois exceptions près, ce n'est pas de la country de Jon compose, mais plutôt un folk rock soyeux, régulièrement nourri de mélodies facilement mémorisables.

Le set de 1h10, rappel de deux titres compris, abordera différents styles et différentes ambiances. On passera avec aisance de l'acoustique à l'électrique, et de la dérision légère dans la description sociale à l'émotion discrète. Pas d'excès de pathos ni de démonstration de virtuosité, on est dans une musique élégante, ancrée dans l'Amérique profonde (Jon vient du Wisconsin), mais ouverte à la lumière du monde. Le seul moment d’émotion véritablement intense, qui sera d’ailleurs suivi d’une très longue ovation générale, sera le délicat et poignant I Don’t Care To Dance, en solo acoustique : un morceau qui amène aussi sûrement les larmes aux yeux qu’une chanson de Nick Drake, auquel on compare parfois Jon (un peu abusivement à notre avis…), et qui constituera indiscutablement le sommet de la soirée.

Même si l’on aimerait beaucoup que Jon persiste dans cette veine « à haut degré d’émotion », il a choisi clairement d’interpréter ses chansons en format beaucoup plus énergique, rock’n’roll si l’on veut, ce que nous serions bien en peine de lui reprocher (même si, du coup, le concert aurait certainement mieux fonctionné avec un public debout !) : comme il le chante clairement sur Clover : « You say God died a long time ago / I guess I’ll try and find salvation then in rock'n'roll »… C’est bien ce qu’on fait tous, Jon !

A la fin, Jon remerciera longuement et chaleureusement les équipes françaises du label et de la production qui ont rendu possible ce concert. Et, en ces temps difficiles où, comme Jon l’a expliqué en présentant sa chanson We Live Each Other's Dreams, un artiste est régulièrement envieux devant ses amis qui ont un boulot leur permettant de nourrir leur famille, il y a quelque chose d'émouvant et d'admirable aussi quand on pense à tous ces gens, même séparés par un océan, qui se battent pour que la musique et l'Art en général continuent à exister.

Une remarque, nous utilisons dans cette chronique le prénom de « Jon » pour Sunde, pour respecter les instructions qu’il a lui-même données, non sans humour ! « Je m’appelle Jon, J.E., c’est juste pour faire le malin sur les pochettes de disques ! ». Car ce mélange d’humanité et de modestie est peut-être bien l’une des plus belles caractéristiques de ce compositeur et interprète de talent.

Dernière partie du set bien énergique comme on aime, avant un rappel qui se termine en solo acoustique sur une nouvelle chanson inspirée par la thérapie de Jon : Blind Curve est une allégorie sur la foi que nous devons avoir quant à notre trajectoire au moment d’aborder un virage sans aucune visibilité. Une conclusion parfaite à une soirée musicale stimulante et parfois très touchante.

La setlist du concert de Corentin Olliver

Everything You Thought Would Last (Into Pieces – 2021)

An Ear and a Shoulder (Into Pieces – 2021)

Skin to Skin (new song)

Heal (Into Pieces – 2021)

Reasons to Admit (Into Pieces – 2021)

Someone Great (LCD Soundsystem Cover)

Forever After (Into Pieces – 2021)

Exhale (Into Pieces – 2021)

I Shot An Arrow (Into Pieces – 2021)

Les musiciens de J.E. Sunde sur scène :

J.E. Sunde – voix, guitare acoustique, guitare électrique

Andrew - basse

Shane - batterie

La setlist du concert de J.E. Sunde :

You Can't Unring a Bell (Shapes That Kiss the Lips of God - 2014)

Love Gone To Seed (9 Songs about Love – 2021)

Clover (9 Songs about Love – 2021)

Sunset Strip (9 Songs about Love – 2021)

I Love You, You’re My Friend (9 Songs about Love – 2021)

Thorns and Roses (Now I Feel Adored – 2017)

Love Leaves a Mark (9 Songs about Love – 2021)

We Live Each Other's Dreams (9 Songs about Love – 2021)

I Don’t Care to Dance (9 Songs about Love – 2021)

Easy Kid (Shapes That Kiss the Lips of God - 2014)

Glory, Gloria (new song)

Risk (9 Songs about Love – 2021)

Wedding Ring (Now I Feel Adored – 2017)

Encore:

A Blinding Flash of Light (Shapes That Kiss the Lips of God - 2014)

Blind Curve (new song)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Seconde soirée du Festival Arte et on attend de savoir, en pénétrant dans la Gaîté Lyrique à quelle sauce on sera mangé. A l'entrée, on nous prévient déjà : il faudra vous déplacer autour de la scène car Damon va bouger. Bon, on se prépare au pire, et c'est vrai que, au premier regard, la scène ressemble à un cauchemar, encombrée qu'elle est de pianos, de claviers et de matériel. Choisis ton camp, camarade, mais en sachant que, comme hier, tu ne pourras pas tout voir !

21h00 : Joan Wasser (aka Joan as Police Woman) s'installe à l'un des pianos et attaque un extrait de The Barbarian, le titre phare – de 12 minutes à l’origine - de son nouvel album, The Solution Is Restless sorti le jour même : le regretté Tony Allen passe sur une petite télé à côté de Joan et on entend ses beats intégrés dans la musique. Un silence presque religieux règnera dans la salle, pourtant déjà bien remplie, pour accueillir les morceaux, tous très intimistes, que Joan a choisi de nous interpréter ce soir, au piano ou à la guitare électrique. Elle nous explique que ce concert est le premier qu'elle donne depuis 2 ans, et il est vrai qu’elle semble parfois un peu nerveuse, malgré la bienveillance du public. Elle nous offrira une très belle interprétation éthérée de Geometry of You, encore une fois avec Tony à l'écran, avec un drone au violon et avec le piano-voix mesuré de Joan. Avant de chanter Real Life, un morceau tiré de son tout premier album datant de 15 ans, Joan remercie très élégamment PIAS pour leur support, ce qui est quand même très classe : on sait combien Joan est sensible à l’importance politique et sociale de l’Art et combien l’économie fragile des différents acteurs dans la Musique la préoccupe. Pour Get My Bearings, Damon vient la rejoindre sous les applaudissements, pour l'accompagner à un second piano. On regrettera toutefois que la configuration de la scène empêche les ¾ du public de voir Joan pendant son set… 35 minutes d'un set très beau, mais qui nous donne surtout envie de la revoir dès que possible accompagnée de son groupe !

22h05 : La scène est un peu plus dégagée après que le piano et le matériel de Joan aient été enlevés, mais on reste dans une configuration où seuls deux côtés du carré permettent au public de voir les musiciens, ce qui n’est pas optimal. Damon Albarn arrive – ou revient, si l’on considère son apparition avec Joan – enfin : ses fans - souvent féminines il faut l’admettre, ce qui prouve que, même si on est loin des années Blur, il y a des choses qui ne changent pas – exultent ! Damon, la cinquantaine toujours juvénile, arbore un look décontracté, à la limite du « père de famille en mode relax le week-end à la maison ». Il a quand même revêtu un beau sweat-shirt portant le mot « Bonjour », qu’il confiera plus tard, soigneusement, à son garde du corps qui veille précieusement sur lui tout au long du concert au pied des marches, prêt à bondir en cas de menace (on imagine que Liam Gallagher pourrait s’être glissé subrepticement dans la foule, par exemple !).

Il est accompagné de 4 musiciens : un batteur virtuose qui ressemble à Jeff Bezos lassé de se balader dans l’espace, un guitariste qui restera assis tout le set avec l’air d’être à deux doigts du suicide, un pianiste / saxophoniste brillant et jovial (tellement près de nous, au bord de la scène, que nous pourrons échanger des plaisanteries au long du set), et un spectaculaire bassiste black. Il sera aussi supporté sur quelques morceaux par un quatuor à cordes, installé sur une seconde scène près de l'entrée de la salle...

L’introduction de The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows, l’un des quelques titres déjà paru du nouvel album « islandais » de Damon donne le ton de la soirée : calme, introspection, élégance, cool… Damon est au piano, concentré, et on peut craindre un moment que le set ne devienne légèrement… euh… ennuyeux. Il faut attendre Royal Morning Blue pour qu’Albarn, enfin debout, lance vraiment la soirée: généreux, notre homme va se promener tout autour de la scène, pour se rapprocher de son public, et particulièrement des belles femmes autour de lui, auxquelles il n’hésitera pas à prendre la main d’un air charmeur (eh oui, séducteur un jour, séducteur toujours, ce bon vieil Albarn !).

La setlist sera largement consacrée, donc, au nouvel album, qui n’est pas encore sorti, ce qui est évidemment plus difficile pour le public, prié de se concentrer pour découvrir les nouveaux morceaux, mais nous récompensera quand même par des extraits du back catalogue de Damon, de Blur (eh oui !) à The Good, The Bad & The Queen en passant – heureusement – par Gorillaz. Il y aura aussi une belle reprise du vivifiant Go Back de Tony Allen, auquel Damon rend hommage en nous racontant que lorsqu’il l’a vu sur l’enregistrement de Joan, il a senti qu’il lui parlait encore de l’au-delà…

The Tower of Montevideo permet à notre copain saxophoniste de nous en mettre plein la vue sur une musique qui chaloupe plutôt à la manière cubaine qu’uruguayenne (mais là, on pinaille !). Européen convaincu, Albarn déplore la disparition des « Petits Filous » des supermarchés, un laitage essentiel pour la lunch box des écoliers anglais : bon, on ne va parler des hauteurs de sa pensée politique, mais merci pour l’hommage à l’industrie laitière française, Damon !

On Melancholy Hill, le hit single de Gorillaz,nous met tous franchement de bonne humeur avec sa mélancolie joueuse, et sera suivi de la splendide nouvelle chanson Polaris – belle mélodie et décollages enthousiasmants – qui sera peut-être l’un des moments les plus réussis de la soirée. La conclusion du set sur un This Is a Low, datant du sommet pop de Blur, Parklife, s’avère un bon choix, puisqu’il nous permet de reprendre le refrain en chœur, mais aussi parce qu’il démontre qu’entre tous les groupes montés par Albarn, entre toutes les phases musicales de sa carrière, il a su garder une véritable cohérence.

Malgré les appels insistants des fans après 1h20 de concert, Damon ne reviendra pas (même si l’on pouvait l’espérer, sachant son goût pour les marathons scéniques, depuis le fameux concert danois où la sécurité avait dû l’expulser après plus de quatre heures de show !). Un petit set acoustique privé, loin des caméras et des grues envahissantes d’Arte, ne nous aurait pourtant pas fait de mal, Damon !

La setlist du concert de Joan As Police Woman :

The Barbarian (The Solution is Restless – 2021)

Out of Time (Blur cover)

The Ride (Real Life – 2006)

Geometry of You (The Solution is Restless – 2021)

Tell Me (Damned Devotion – 2018)

Real Life (Real Life – 2006)

Get My Bearings (The Solution is Restless – 2021)

The Magic (The Deep Field -2011)

La setlist du concert de Damon Albarn :

The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows (new song)

The Cormorant (new song)

Royal Morning Blue (new song)

Lonely Press Play (Everyday Robots – 2014)

Go Back (Tony Allen cover)

The Tower of Montevideo (new song)

The Poison Tree (The Good, The Bad & The Queen – Merrie Land - 2018)

Hong Kong (Gorillaz – D-Sides - 2007)

Daft Wader (new song)

Out of Time (Blur song)

El Mañana (Gorillaz – Demon Days - 2005)

Darkness to Light (new song)

On Melancholy Hill (Gorillaz – Plastic Beach - 2010)

Polaris (new song)

Particles (new song)

This Is a Low (Blur – Parklife - 1994)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Le festival Arte n'est pas un évènement ordinaire, tout au moins en termes de "logistique" pour les spectateurs qui aiment être au premier rang lors des concerts. La prudence nous commande d'éviter la première, première partie (C’est Karma, dont on nous a dit a posteriori beaucoup de bien…) qui a lieu dans une petite salle, pour aller directement s'installer dans la grande salle du deuxième étage de la Gaîté Lyrique pour le set de Nova Twins... Nous découvrons avec surprise une scène carrée installée inhabituellement au centre de la grande salle, qui plus est avec un sol de verre qui permet un éclairage par en dessous. Deux caméras-grues sont placées de part et d'autres (ce qui aurait d'ailleurs dû nous mettre la puce à l'oreille pour la suite)...

21h : Le duo londonien qui monte (en fait un trio sur scène, puisque les filles sont soutenues par un batteur, à la frappe puissante !), Nova Twins, étiqueté grime / punk, déboule dans un déluge de lumière et se lance dans son set avec une énergie étourdissante. On en prend plein les yeux et plein les oreilles, et ça ne va pas baisser de rythme pendant 35 minutes, chacune d’elle jouée à fond ! Avec leur look DIY moderne et leur énergie joyeuse, les filles dégageant une sympathie immédiate : la chanteuse Amy Love n’arrête pas de répéter qu’elle aime Paris parce que Nova Twins y a été reconnu plus tôt… Bon, on imagine qu’elle dit ça tous les soirs, mais elle paraissait quand même sincère, et faisait sans doute référence à leur passage aux Transmusicales de Rennes voilà 5 ans qui avait en effet fait une petite sensation ! Pour imaginer leur musique, le mieux est de parler de vocaux hip hop sur un hardcore millésimé années 90, mais minimaliste et infusé d’électronique, le genre… Amy organisera rapidement un moshpit devant la scène pour que les spectateurs s’en donnent à cœur joie, et on remarque que la charge est largement conduite par des filles, ce qui fait sacrément plaisir. Elles jouent une bonne partie des titres de leur premier album, sans oublier le morceau qui les a révélées, Bassline Bitch, et tout le monde est content.

A partir du moment où les filles quittent la scène… c'est un peu la panique : tout leur matériel est dégagé pour installer celui de Shame, mais d'une manière très particulière : la batterie est au centre et un musicien sera posicionné à chaque coin de la scène carrée, tournant le dos au public et avec ses amplis derrière lui. Où se placer ? La décision n'est pas facile à prendre, la seule chose évidente est qu'il sera de toute manière impossible de bien voir tous les musiciens où que l'on soit. Et puis il y a l'inquiétude de la qualité sonore, vu l'absence d'une sono susceptible d'équilibrer le son des amplis les plus proches. Bref, une idée intéressante qui donne une très belle esthétique à la scène ainsi organisée, et on imagine bien que pour Arte, qui filme et diffuse les concerts, c’est un point très important de différenciation, mais dont la commodité pour les spectateurs présents dans la salle est pour le moins discutable !

Il est déjà 22h25 quand les 5 musiciens de shame montent sur scène, avec une dizaine de minutes de retard sur l’horaire initialement prévu. Ils sont joliment vêtus de smokings (portant l’étiquette Zara, nous le constaterons plus tard quand les vestes – et certaines chemises – auront été dispersées sur le sol !), nœuds papillons, et ils ont chacun un verre à la main, de champagne ou de jus d’orange. Cool ! Mais une nouvelle surprise nous attend quand chacun s’installe à sa place (Charlie Steen s'allonge même sur le sol !) et se met à attendre… buvant et souriant, mais sans rien faire ! Attendant quoi ? Nous ne le saurons pas, mais ça durera une dizaine de minutes avant que le set commence… C’est assez drôle, ou en tout cas très, très inhabituel, mais quand même un peu irritant à la longue. S’agissait-il d’un problème de retransmission ?

Et puis, enfin, le concert commence… et les lads de Londres nous assènent d’emblée deux brûlots (Alphabet, 6/1) de leur excellent second album, Drunk Tank Pink, confirmant en même temps 1) que leur excellente réputation scénique est justifiée 2) que leur musique évolue – sans perdre son urgence punk – vers des terrains plus ambitieux, dissonants, dérangeants parfois. Et c’est une très bonne nouvelle !

Sur scène, Charlie est au contact permanent avec la foule, passant malheureusement la majorité de son temps sur « un côté du carré », et frustrant donc les trois autres, tandis que Sean et Eddie sont concentrés sur leur jeu de guitare, et que Josh, le joyeux bassiste très extraverti – donc explosant le vieux code du bassiste de Rock taciturne – fait une grande partie du spectacle à lui tout seul : courses effrénées, sauts spectaculaires, voilà un tout jeune homme qui ne ménage pas sa peine !

Le son est, comme nous pouvions le craindre, assez moyen, et varie en fonction de là où vous êtes placé autour de la scène, la voix de Charlie étant dans certains endroits peu audible. Mais cela n’a pas l’air de diminuer l’enthousiasme débordant du public qui fête le groupe : les gens braillent les paroles en chœur, ça slamme, ça saute partout, c’est la bonne ambiance punk… même s’il faut reconnaître que la musique que joue actuellement shame est plus anxiogène que festive ! Bien évidemment, les titres du premier album, plus traditionnellement post punk, et en particulier Concrete (très « clashien » pour le coup…), Dust on Trial et le formidable One Rizla (« And you're clinging to conflict / Just let go », braillons-nous tous avec Charlie !) en quasi final, sont ceux qui déchaînent le plus les passions. Charlie répond chaleureusement à l’amour de son public en regrettant de n’avoir pas pu jouer en France depuis deux ans, et en répétant combien il aime « l’Europe » (on connaît la position anti-Brexit du groupe, mais on ne peut guère s’empêcher de remarquer que, comme la grande majorité des Anglais, il utilise le mot « Europe » pour qualifier ce territoire qui commence au-delà de la Manche !).

Au bout d’une heure, il est temps de boucler le set – non sans avoir promis de revenir au Bataclan, pour plus de chansons en avril prochain – et Charlie monte sur la coursive où un micro a été installé pour lui, pour chanter l’impressionnant Station Wagon, conclusion du second album et donc conclusion de la soirée…

… une soirée qui aura confirmé, malgré les « complications » de la mise en scène télévisuelle, la valeur de shame, qui pourrait bien prétendre à prendre la place de Idles sur le podium du post-punk anglais. A confirmer donc le 1^er avril prochain dans notre cher Bataclan, là où naissent les légendes…

Les musiciens de Nova Twins sur scène :

Amy Love – lead vocals, guitar

Georgia South – bass guitar, backing vocals

??? - drums

La setlist du concert de Nova Twins :

Intro Who Are the Girls

Devil's Face (Who Are the Girls – 2020)

Vortex (Who Are the Girls – 2020)

Play Fair (Who Are the Girls – 2020)

Wave (Nova Twins EP – 2016)

Antagonist

Bassline B*tch (Nova Twins EP – 2016)

Taxi (Who Are the Girls – 2020)

Undertaker (Who Are the Girls – 2020)

Les musiciens de Shame sur scène :

Charlie Steen – chant

Sean Coyle-Smith – guitare

Eddie Green – guitare

Josh Finerty – basse

Charlie Forbes – batterie

La setlist du concert de Shame :

Alphabet (Drunk Tank Pink – 2021)

6/1 (Drunk Tank Pink – 2021)

Concrete (Songs of Praise – 2018)

This Side of the Sun (Live Debut)

The Lick (Songs of Praise – 2018)

Nigel Hitter (Drunk Tank Pink – 2021)

Tasteless (Songs of Praise – 2018)

Born in Luton (Drunk Tank Pink – 2021)

March Day (Drunk Tank Pink – 2021)

Dust on Trial (Songs of Praise – 2018)

Harsh Degrees (Drunk Tank Pink – 2021)

Angie (Songs of Praise – 2018)

Water in the Well (Drunk Tank Pink – 2021)

Snow Day (Drunk Tank Pink – 2021)

One Rizla (Songs of Praise – 2018)

Station Wagon (Drunk Tank Pink – 2021)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Le concert rituel d'anniversaire d'Elliott Murphy au New Morning, prévu le 13 mars 2020, avait été l'un des premiers annulés lors du déclenchement du confinement. Cela fait donc 14 mois de report pour cette rencontre que nombre de fans attendent comme une fête toute particulière, célébrant leur fidélité à un artiste qui leur est cher. « Perdant magnifique », Elliott, l’ex-star en devenir, l’ami du Boss et le protégé (si l’on peut utiliser le terme avec Lou) de Lou Reed, exilé à Paris, a réussi à prouver que son idole, F. Scott Fitzgerald avait tort quand il a affirmé : « Il n’y a pas de seconde chance dans la vie des Américains ». Elliott n’a pas un public de millions de personnes, juste quelques milliers, mais leur amour est immense, et ces concerts au New Morning sont aussi l’occasion pour lui de vérifier que nous sommes toujours là. Un peu plus vieux, comme lui, à chaque fois, mais toujours là.

Alors, à 21h, quand Elliott monte seul sur scène, il ne commence pas à jouer, mais il nous explique - avec son humour habituel - qu'il a oublié pas mal de choses pendant cette interruption après 50 ans de tournées, comme le fait qu'il faut brancher sa guitare avant de jouer, que devant lui c'est un microphone et pas un micro-ondes... mais ce qu'il n'a pas oublié en 14 mois c'est… Nous (Elliott parle de 14 mois d'interruption seulement parce qu'il avait pu faire quelques dates en septembre 2020) ! Émotion perceptible dans la salle et sur scène. Et on attaque avec Change will Come, en solo, et la vieille magie est là, intacte.

On est partis pour deux heures quarante de concert, avec quand même une pause de 15 minutes entre l'intro en format solo, puis duo (avec Olivier), puis trio (avec Melissa), et le set principal en formation groupe complet, soit 7 voire 8 personnes sur scène (et même 11 quand, sur Come On Louann, Elliott fait monter sur scène trois fans qu’il connaît personnellement) ! A l’équipe habituelle des fidèles constitués par Alan Fatras à la batterie, Olivier Durand à la guitare et Melissa Cox au violon, viennent s’ajouter un claviériste et un bassiste, mais aussi le fiston Gaspard – qui ressemble d’ailleurs de plus en plus à son père – devenu guitar hero émérite et qui nous régalera d’une paire de soli flamboyants qui lui vaudront des applaudissements mérités. Cerise sur le gâteau, la brillante Natalia M. King, autre exilée américaine installée en France, vient chanter sur plusieurs titres, et en premier lieu sur une brillante reprise en duo avec Elliott du Pink Houses de John Mellencamp !

Comme toujours, la setlist traverse toute la longue discographie d’Elliott, avec à peine un peu plus d’insistance sur les albums fondateurs du début des 70’s : fondamentalement, même s’il y a toujours un léger soupçon de nostalgie quand on entend à nouveau sur scène une pépite comme You Never Know What You're In For, Murphy continue à regarder droit devant, et à nous parler, au moins en musique, de notre vie actuelle : son virulent – et jouissif - What the Fuck Is Going On brocarde les banquiers qui mène le monde au chaos d’une manière incompréhensible ; son tout dernier titre, Hope, qui sera l’un des sommets de la soirée d’ailleurs, parle de l’angoisse qui nous a tous saisis lors du premier confinement, et de la nécessité de garder l’espoir – comme sa femme Françoise l’y encourageait – à travers les heures sombres que nous vivons. Ce qui ne veut pas dire, on le sait tous, qu’Elliott n’aime pas raconter des histoires de son passé, comme lorsque ce soir il évoque Lou Reed (auquel il dédie Deco Dance) et son fameux (et tellement arrogant...) : « My Week Beats Your Year ! ».

S’il y a une chose qui n’a pas changé depuis 14 mois, c’est bien la fulgurance de la guitare d’Olivier, qui nous gratifie très tôt d’un premier beau solo sur Drive All Night, cassera une corde plus tard et la remplacera en plein milieu d’un morceau, et illuminera finalement – sans surprise, mais qui a besoin de surprise quand c’est si beau ? – A Touch of Kindness.

Ce set généreux se terminera sur un rappel additionnel non prévu (Euro-Tour, énergique !), mais surtout sur une vraie déclaration d’Elliott à son public : avec un peu moins de plaisanteries que d’habitude, donc un peu moins de volonté de masquer ses sentiments, Elliott nous a rappelé qu’il nous regardait, aussi, nous. Avec les lumières allumées dans la salle. Et qu’il nous connaissait. Et peut-être qu’il nous aimait autant que nous l’aimons.

La setlist du concert d’Elliott Murphy:

Pre-set

Change Will Come (Solo) (Affairs – 1980)

Drive All Night (Duo) (Just a Story from America – 1977)

Made in Freud (Beauregard – 1998)

Take That Devil Out Of Me (Elliott Murphy – 2010)

Deco Dance (Night Lights – 1976)

Just a Story From America (Just a Story from America – 1977)

Main set

I Want to Talk to You (La Terre Commune – 2001)

What the Fuck Is Going On (Ricochet – 2019)

Fix Me a Coffee (Soul Surfing – 2002)

Chelsea Boots (Prodigal Son – 2017)

Alone in My Chair (Prodigal Son – 2017)

You Never Know What You're In For (Night Lights – 1976)

On Elvis Presley's Birthday (12 – 1990)

Pink Houses (John Mellencamp cover) (with Natalia M. King)

A Touch of Kindness (Coming Home Again – 2007)

Last Of The Rock Stars (Aquashow – 1973)

Encore:

Hope (with Natalia M. King) (Joined by his wife Françoise on stage)

Better Days (Bruce Springsteen cover) (with Natalia M. King) (Ricochet – 2019)

Rock Ballad (with Natalia M. King) (Just a Story from America – 1977)

Come On Louann (Soul Surfing – 2002)

Encore 2:

Euro-Tour (Affairs – 1980)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net

Voilà 40 ans - 41 même, comme le rappellera Simon Jones à un spectateur qui hurlait "Happy 40 !" au milieu du set - que And Also The Trees existe, cantonné dans les limbes de cette fameuse cold wave rebaptisée depuis post punk. Un groupe qui a rencontré un beau succès d'estime (mais pas que…) sur le continent et a été largement ignoré en Grande-Bretagne (confirmant le vieil adage que nul n’est prophète en son pays !). Cette tournée est donc celle de la célébration, même si ce qu'on fête c'est, comme le dit Simon avec de la surprise dans la voix, peut-être surtout le fait de toujours être là. Eux sur scène et nous dans la salle.

Et on fête aussi nos vraies retrouvailles avec notre chère Maro, réouverte depuis quelques jours seulement, et toute pimpante après des travaux de ravalement. Et comme il n'y a pas ce soir de première partie, on a tout le temps de boire un verre entre amis. La bonne vie quoi !

21h : Justin Jones est seul sur scène avec sa guitare et ses pédales, et il construit patiemment l'entrée en matière de la soirée. Jusqu'à ce que le frangin Simon rentre sur scène comme un spectre lugubre et se mette à psalmodier, bientôt rejoint par la clarinette de Colin Ozanne. En 15 minutes qui requièrent toute notre attention, l'ambiance est posée : calme, beauté, introspection presque. Le concert peut vraiment commencer, et Vincent Crane, extrait de l’album sans doute le plus populaire – au moins en France – du groupe, Virus Meadow, permet à tout le monde de trouver ses marques...

Le concert durera près d'une heure quarante, avec une setlist visitant la quasi-totalité des albums studio du groupe, ce qui nous permettra de revenir en arrière revisiter les années "post", quand - mais c'est finalement peu fréquent, le groupe se met à jouer plus dur, plus tendu : Maps in Her Wrists and Arms, terrible récit de perdition, voit Simon se lâcher un peu (« Sometimes when she lifts her eyes / The room has filled with flowing sheets of silk / There's maps in her wrists and arms / And the morphine surges terror bread and bliss… »). Le public de la Maro, en majorité pas très jeune et sans doute un peu nostalgique, fait évidemment particulièrement honneur à ces morceaux d’autrefois… Une chanson aussi solennelle que The Suffering of the Stream, avec son lyrisme sombre et son amplitude, est un parfait rappel de la splendeur passée de la cold wave, et peut même occasionnellement serrer le cœur.

Une partie des morceaux de cette rétrospective en forme de best-of se tient sur le versant plus contemporain de And Also The Trees, avec des envolées poétiques parfois hispanisantes comme sur le magnifique Your Guess (« I can't know you / Guess my face my eyes / Your Guess is as good as mine / The weight of your head in my arms »), et avec d'autres fois ce retour à un repli sur des émotions intimes, appuyé sur une très belle clarinette (Boden).

Le public, qui chérit clairement le groupe, est émotionnellement engagé dans chacun des morceaux, tremble, vibre, danse, oscille, encourage Simon dans sa recherche de la beauté. Les succès - quand la musique devient grande - sont accompagnés de cris de joie. Les errements occasionnels par des encouragements chaleureux…

Ce ne sont pas toujours les morceaux les plus connus qui fonctionnent le mieux, et on peut même trouver que le groupe manque parfois d’intensité par rapport aux versions des albums. Simon lui-même, régulièrement assis, accroupi, en retrait, ne livre pas la performance physique qui pourrait porter la musique vers une réelle incandescence, et ce sera peut-être un petit regret qui nous restera à la fin : disons qu’aujourd’hui le groupe privilégie la Beauté par rapport à la Tension. Mais, à la fin, nous aurons droit à notre récompense, avec l’enchainement de trois chansons parfaites, le majestueux Dialogue, l’impérieux So This Is The Silence (assez gothique et pas si loin de Bauhaus, en fait !), et Virus Meadow…

Le rappel sera étendu à trois morceaux en dépit du dépassement de l'horaire prévu – Simon vient demander l’heure à un ami du premier rang ! Avec son intro remarquable à la basse (mais que Grant Gordon a un air à la Peter Hook, quand même !), Prince Rupert met le feu à la Maro : « « Rupert lies on a bed / Where the night bows her head / Stars weave their dreams around him / 'Give me this day'  / Prince Rupert calls. » Même si les paroles de And Also The Trees sont complexes, on voit pas mal de gens les chanter, ce qui est toujours la plus grande preuve d’amour… Mais ce sera Slow Pulse Boy qui conclura donc la soirée : avec son alternance d’explosions (« So we chase the explosions / From horizon to horizon… ») et de retours au calme (« Somewhere a girl is singing / There is calm in the air / But there is greater calm than I can bear / Tomorrow the sun shines »), c’est une conclusion parfaite à cette soirée toute en sombre splendeur.

Gageons que pour les cinquante ans de And Also The Trees, nous serons à nouveau là, présents pour célébrer ce groupe singulier, qui a toujours su progresser en dehors des sentiers battus.

Les musiciens de And Also the Trees :

Simon Huw Jones – vocals

Justin Jones – guitar

Paul Hill – drums

Colin Ozanne - keyboards, clarinet, guitar

Grant Gordon - bass guitar

La setlist du concert de And Also the Trees :

Intro

My Face Is Here in the Wild Fire (Hunter Not the Hunted – 2012)

Vincent Craine (Virus Meadow – 1986)

Shantell (Single – 1983)

Your Guess (Born Into the Waves – 2016)

Maps in Her Wrists and Arms (Virus Meadow – 1986)

The Suffering of the Stream (The Millpond Years - 1988)

Wallpaper Dying (The Secret Sea - 1984)

Rive Droite ((Listen For) The Rag and Bone Man - 2007)

Boden (Born Into the Waves – 2016)

(in a bed in) Yugoslavia

Brother Fear (Angelfish – 1996)

Missing (Angelfish – 1996)

Dialogue (The Klaxon - 1993)

So This Is Silence (And Also the Trees - 1984)

Virus Meadow (Virus Meadow – 1986)

Encore:

Prince Rupert (Farewell to the Shade - 1989)

Bone Carver(s)

Slow Pulse Boy (Virus Meadow – 1986)

Ce Live Report a déjà été au moins partiellement publié à l'époque du concert sur les blogs : manitasdeplata.net et benzinemag.net